Compositora, cantante, ensayista, caricaturista y actriz, conocida popularmente como Conny Méndez. Fueron sus padres el poeta Eugenio Méndez y Mendoza y Lastenia Guzmán. La primaria y la secundaria la realizó entre Caracas y Nueva York. En esta última ciudad cursó estudios de artes plásticas en el Art Student’s y luego de música en el New School of Music. Durante la década de 1920, de regreso en Caracas, colabora como columnista y caricaturista en diferentes revistas y diarios, entre ellos El Nuevo Diario, Élite y Nosotras. Dichas caricaturistas las reunió en su obra Bisturí: álbum de caricaturistas (1931). En 1946 fundó el movimiento de Metafísica Cristiana en Venezuela difusor de las enseñanzas del conde Saint-Germain, figura mítica del ocultismo europeo. Durante los primeros años de la década de los 50’s, trabajó como actriz en la obra Camas separadas de Terence Rattingam, dirigida por Horacio Peterson en el Caracas Theater Club.
En 1955, publicó su obra autobiográfica titulada Memorias de una loca y en 1967 su libro satírico-costumbrista Del guayuco al quepis. No obstante, fue en el campo de la composición e interpretación musical donde realizó su labor más fructífera. Su obra musical de carácter folklórico y popular abarcó más de 40 composiciones, incluyendo un oratorio de inspiración sacra. Entre sus obras más populares se encuentran. Venezuela habla cantando, La negrita Marisol y Chucho y Ceferina. Los últimos años de su vida los dedicó exclusivamente al estudio de la metafísica cristiana. A partir de 1977 publicó una serie de trabajos en torno a este trascendental tema, entre ellas: Metafísica al alcance de todos (1977) y Misterios develados (1979). En 1989 Rubén Cedeño publicó un libro acerca de la vida de Conny Méndez, titulado Conny Méndez y mis memorias metafísicas.
Desde muy joven se dedica…casi a todo! Y más o menos, por orden cronológico, fue así:
Caricaturista y Cronista
En este campo hizo muchas cosas, entre las cuales se destacaron las sabrosas caricaturas de las más conocidas damas caraqueñas de la época, y que fueron publicadas en la portada de la revista “Nosotras”, así como en la sección llena de pimienta que publicaba bajo el nombre de “Aquí entre nos”.
Autora y Compositora
Conny Mendez
Su primera composición se titula “La Niña Luna” y fue hecha a manera de ensayo para ver “si le salía”. Le salió. A ésta le siguió “Soñé”. Gran sorpresa para Conny cuando la afamada soprano venezolana Isabel Pérez Dupuy estrenó estas canciones en Estados Unidos, allá por el año 35. Luego vinieron muchísimas otras, algunas de enorme difusión, conocidas por Venezuela entera: “La Negrita Marisol”, “Yo soy Venezolana”, “Venezuela habla cantando” y “Chucho y Ceferina”, por no citar sino cuatro, que son prueba irrefutable de lo antes dicho. “Chucho y Ceferina” es considerada por muchos, como ejemplo de música folklórica.
Pintora
Comenzó en este campo haciendo paisajes y retratos.Durante 10 años gozó “un puyero” con sus paletas, pinceles y demás yerbas, llegando a terminar un sinnúmero de obras cuyo paradero se desconoce en su gran mayoría, dado que muchas de éstas se las llevaban “prestadas”, y la gente, lamentablemente, tiene tan mala memoria…
Escritora
En esta faceta, Conny se proyectó principalmente a través de su libro “Memorias de una Loca”, publicado en 1956 y que resultó, todo un “Bestseller”. Según Conny, es una recopilación de todo lo más divertido que le ocurrió hasta entonces. Una historia cómico-satírica de Venezuela fue la realizada en su libro “·Del Guayuco al Quepi”, netamente escrita en criollo.
La Metafísica
Por una de esas cosas extrañas de la vida, encontrándose a bordo de un tanquero que la traía con su hijo Donald desde los Estados Unidos, durante la Segunda Guerra Mundial, conoció a la viuda de Henry Pittier. Esta dama, sin proponérselo, inició a Conny en el mundo de la Metafísica. El viaje resultó toda una odisea y por supuesto, en muchos momentos hizo falta mucha fe en Dios para sobrellevar el peso del tremendo peligro que les acechaba. En esos momentos, como es normal, Conny y la señora Pittier hablaron mucho de Filosofía y de Metafísica. Al arribar a Venezuela (“milagrosamente” como dice Conny), se lanzó de lleno a la búsqueda de cualquier material literario que existiere sobre esta materia.
Leyó todo lo que cayó en sus manos y un día, profundamente conocedora de esta filosofía, fundó la Hermandad de Saint Germain, la cual se extendió primero, por toda Venezuela, y luego por toda Latinoamérica. Y en este campo fue muy activa, viajando, dictando conferencias y comunicándose con los miles de amigos que tenía en todas partes. Tomado de Venezuela Tuya y de Metafísica.com
Escuchemos un precioso tema en la voz de Conny Mendez: (Yo soy Venezolana)
Músico y compositor popular, nació en Curarigua de Leal, Parroquia Antonio Díaz de Municipio Autónomo Torres del Estado Lara, el 4 de Marzo de 1895. Fue hijo de Gualdo Suárez y Maria Trinidad Alvarado.
Desde muy joven se inició en el arte de cultivar una de las tradiciones más ricas del Folklore Venezolano: El Golpe y el Tamunangue, o Sones de negros, como también se le denomina. Fue autor y compilador de décimas, tonos y aguinaldos, además de exponente de una variedad del Golpe Tocuyano, que más adelante tomará el nombre de “Golpe curarigueño”, debido a las diferencias rítmicas existente en el tono y ejecución de los instrumentos que lo diferencian notablemente del “Golpe Tocuyano.”
Combina su labor cultural con su ejercicio de funcionario público como correo de a pie de Curarigua a Carora. A los veinte años de edad formó parte de la Policía de Curarigua y en el año de 1945 ingresa a la Policía de Barquisimeto, situación que le permmitió organizar con Nicolás Pichardo y Félix Campos un conjunto musical folclórico en la capital larense, dando a conocer sus primeras creaciones musicales: El sapo, La Chuchurucha, La Niña Heriberta, El Caimán y El Barbero. Se trata de temas, en su mayoría compuestos por él, pero provenientes del genero popular, por lo que se dice, que antes de aprender a tocar el cuatro, siendo muy niño ya componía décimas y canciones.
En el año de 1965 grabó su primer disco, un 45 RPM, para un homenaje al maestro Alirio Díaz. De este trabajo se destacan dos importantes temas musicales, El Sapo y El Gavilán Trabalenguas, dos fábulas musicales ricas en genio, humor, alegría y sátira, elementos estos que acompañaron la fecunda obra musical del Viejo Roble de Curarigua como también es conocido. Posteriormente en un trabajo realizado por el sello disquero local PIORA recoge 16 temas más de su producción en un disco de larga duración (LP).
Don Rafael Pio Alvarado
Don Pío Alvarado fue catalogado por Mario Álvarez como el más grande golpero de todos los tiempos en el quehacer musical larense. Entre otras de sus composiciones populares cabe destacar: Esta Mañana la vi, Lucerito, Las Décimas de las Viejas, Las décimas del Borracho, Las Décimas del Chimó y Romelia, entre otras. De acuerdo a expertos en materia musical, este juglar del canto popular “era un cantor fino con una curiosa y potente voz de contra tenor” que de acuerdo a la afirmación de Juan Martínez Herrera, parecía uno de esos rapsodas de la época Medieval.
Ese era Don Pío Alvarado creador del conjunto de “Golperos Don Pío Alvarado”, quien hizo del trabalenguas y el golpe curarigueño una forma de cantarle a las cosas cotidianas de la vida. Muere en Barquisimeto el 24 de Agosto de 1983.
Joropo Punk Rocker
Cuenta la leyenda, que en 1994, faltando poco para el cumpleaños de Krist Novolesic, el ex-bajista/guitarrista de Nirvana , su entonces esposa paseaba en carro por las calles de Seattle con sus amigos, y la vió cantando en un mercado, con su Cuatro. Se detuvo, se acercó a ella y despues de oirla, le preguntó si podía tocar en la fiesta de su esposo como regalo de cumpleaños. Ella aceptó, y no solo le cantó el cumpleaños feliz a Krist, sino que se quedó en la fiesta cantando y tocando Folklore venezolano. Krist impresionado, le propuso producirle un album y mientras trabajaban en algunas canciones, decidieron formar una banda con ella en el Bajo y él en la Guitarra de 12 cuerdas. La bautizaron Sweet 75.
Tocaron durante dos años en la prolífica escena musical de Seattle y otras ciudades del norte de USA. La fusión de Punk Rock feroz, honesto y visceral, con el cautivador sonido de canción de ordeño, el polo margariteño y el canto de pilón, fue una ráfaga de brisa refrescante en el oido de muchos seguidores de los ex-integrantes de Nirvana, en un momento en el que, hasta el gato quería tocar Grunge y todos sonaban igual. Como es de esperar, no a todo el mundo le gustó la fusión (muchos ni idea tenían de donde venía el sonido quasi-folk de algunas canciones) y las comparaciones odiosas con la exitosa carrera más tradicionalmente rocanrolera del otro sobreviviente de Nirvana, Dave Grohl, no se hicieron esperar.
Despues del periodo de conciertos y de darse a conocer, decidieron grabar un primer album y para la tarea se hicieron acompañar por Bill Rieflin de Ministry en la batería, Peter Buck de R.E.M., Anisa Romero de Sky Cries Mary y Herb Alpert. Para ese momento, mucho del furor que los recibió inicialmente ya se había disipado y el album no se vendió bien ni tuvo ningún hit. El tiempo lo convertiría en un album de culto del Post-Rock americano, relativamente difícil de conseguir, sobretodo despues de que ambos decidieran disolver al grupo, alegando viejas diferencias creativas.
Yva Las Vegas
Tiempo despues volvería a las calles y a pequeños locales, a fascinar a los moradores de Seattle con su voz de trueno y su amor eterno por la musica venezolana tocada al cuatro. Actualmente milita en el colectivo de World Beat Children of The Revolution y en la agrupación Hardcore Exorcismo. Aparte de los imposibles-de-conseguir Live in The Showbox y Im a Folk Singer, su producción discográfica ha consistido en albumes producidos como CDs quemados en casa, empaquetados en bolsas de papel y distribuidos en sus toques, al mas puro estilo DIY de las autenticas bandas Punk, practicado en sus inicios por los legendarios Sentimiento Muerto, cuando el cassette reinaba sobre la Tierra. ¿Qué como se llama ella? Si.. se me olvidaba. Yva. La impresionante Punk Rocker de origen venezolano Yva Las Vegas.
Compositor, cantautor, cantante de joropo, intérprete de la música llanera, y merecedor en 1998 del Premio Nacional de Cultura Popular. Su esencia y su alma viven en los pasajes que entonó a suelo llanero, que retumban y dibujan con orgullo la recia faena del campo. Su gusto por lo recio, lo llevó a interpretar los tonos agudos del diablo, en la fábula de Fausto y Mefistófeles, recreada en nuestra literatura como Florentino y el Diablo, pieza que lo consagró junto a otro baluarte de la música llanera, la otra voz del contrapunteo, la de Jesús Romero.
Juan de los Santos Contreras nació el 7 de abril de 1928, en el barrio La Tejería, a la margen derecha de las orillas del río Apure, cerca de la desembocadura del caño Bocachico, que integra sus aguas al caudaloso río Apure.
Hijo de Juan de Mata Laguna y Carmen Cecilia Contreras, padres de escasos recursos económicos, pero sanos y trabajadores. Su abuela, Margarita Laguna, al referirse al nacimiento de El Carrao recordó, en un documental realizado por John Petrizzelli, “me dijeron que es varón, pero feo y contesté: “Y qué quiere que le diga si yo también soy fea”.
Juan de los Santos era moreno, de mediana estatura, buena contextura, católico y fiel devoto de la Virgen del Carmen. Fue criado en medio de la rusticidad del llano junto con sus 14 hermanos, de los cuales dos fueron aficionados al canto: Manuel y Antonio. A los 10 años se le vio sus dotes de cantador de joropo, pasajes y contrapunteos. Durante los 25 años que vivió en Palmarito fue becerrero, ordeñador, llanero de caballo y de a pie, pescador y artista.
El Carrao de Palmarito
El Carrao de Palmarito fijó su residencia en la ciudad de Barinas en 1955. Allí se relaciona con varios grupos criollos y arpistas. Canta en vivo en varias emisoras regionales como Radio Barinas, Ecos del Torbes y la Voz del Táchira. Luego se establece en Caracas y sigue actuando en distintas emisoras.
En 1965 fue bautizado como “El Carrao de Palmarito” por el parecido de su voz con el canto del ave; una voz recia, inimitable, clara, nítida, un regalo de la naturaleza.
Entre sus éxitos cuentan Aquella mujer que amé, Cajón del Arauca apureño, Plegaria llanera, Dulce María, Llanura yo soy tu hijo, El morrocoy de doña Carmen, Caminito de Arichuna, Recorriendo Barinas, Los martirios del Carrao y, Florentino y el Diablo, basado en el poema de la leyenda del mismo nombre del poeta barinés Alberto Arvelo Torrealba. Con esta interpretación el artista llegó a la cumbre de su carrera obteniendo el calificativo de máximo intérprete de la música llanera.
Tiene en su haber más de 120 placas, diez trofeos, 40 diplomas, 15 medallas de oro, plata y bronce. En 1976 las gobernaciones de los estados Apure y Portuguesa le rindieron homenaje haciendo entrega de un busto del artista, el cual fue colocado en la plaza de la población de Palmarito. En un acto especial la Embajada de Venezuela en Jamaica también le ofreció un homenaje por sus méritos como artistas.
El Carrao de Palmarito
El Carrao de Palmarito representó a nuestro país en varios eventos internacionales. Entre otras actividades vale la pena mencionar su participación en la película “Más allá del Orinoco”, al lado del artista mexicano Javier Solís, así como también tuvo una actuación especial en “Agua y sangre”, producción venezolana, junto al actor Carlos Olivier.
Aun cuando El Carrao no pudo seguir ejecutando su destreza con el cuatro y la bandola por una infección que le hizo perder dos dedos, le quedó el don de su canto hasta el día de su desaparición física, el 10 de diciembre de 2002 en la ciudad de Barinas.
Su voz se fue apagando como al atardecer el canto suave, insistente y lejano de la avecilla llanera, pero sembró hondas raíces.
Origen del nombre artístico
Carrao
El ave llanera conocida como el Carrao, de color marrón y cuello largo de manchas blancas, es la viva representación de la sabana, el charco, el estero, el caño, la laguna y de todos los elementos que integran la planicie.
Se alimenta de guaruras, peces, gusanos y otras especies que se encuentran en terrenos húmedos y fangosos del llano. Hábil para el vuelo, todo el tiempo permanece parado ya sea en tierras o copas de árboles. Su canto es recio, claro, nítido, dominante sobre otras especies del medio, alegra y despierta la sabana, se difunde por los esteros y pajonales cercanos a las matas en madrugadas frías, en tardes calurosas o en noches tempestuosas y oscuras y se hace Rey de la Llanura con su trino. Dicen que su canto predice lluvias.
Alberto Arvelo Torrealba nació el 30 de septiembre de 1905 en Barinas. Murió el 28 de marzo de 1971 en Caracas. Poeta, abogado, político, diplomático, educador y ensayista.
En la Universidad Central de Venezuela obtuvo el grado de doctor en Ciencias Políticas (1935). Ejerció la docencia y desempeñó altos cargos públicos, entre ellos: Presidente del Consejo Técnico de Educación en 1940, gobernador del Estado Barinas entre 1941 y 1944, Consejero de la Embajada de Francia, Embajador Extraordinario de Venezuela en Bolivia (1952), Embajador en Italia, Ministro de Agricultura y Cría (1953). En 1968 fue elegido Individuo de Número de la Academia de la Lengua. En 1966 obtuvo el premio Nacional de Literatura, Mención Prosa, por su ensayo: Lazo Martí: vigencia en lejanía. Otras obras suyas fueron Música de cuatro (1928), Cantas (1932), Glosas al cancionero (1940), Florentino y el Diablo (1940/1957) y Caminos que andan (1952).
Tras una aparente y engañosa ubicación dentro del Criollismo y del Nativismo, Alberto Arvelo Torrealba nos ofrece una poesía de gran fuerza lírica y épica, a la cual no son ajenas las reflexiones filosóficas y existenciales, aunque sin disminuir ni enajenar la intensidad estética. La gran popularidad de sus versos se explica por los temas sacados de la vida y del paisaje cotidiano del habitante de las llanuras venezolanas, y por el uso de formas métricas y estróficas de atractiva sonoridad y de larga tradición popular, heredada de nuestro pasado hispánico: el octosílabo, la copla, la décima o espinela, el romance… Pero sus imágenes son muchas veces herméticas, producto de una elaboración poética rica y compleja, con los recursos de una vasta cultura.
Alberto Arvelo Torrealba
Sus versos, además, responden a una vocación profundamente humana y universal. Un profundo contenido reflexivo, netamente existencial, que universaliza la angustia del poeta ante el mundo y la vida, y la expresión estética ricamente elaborada, trasvasada en imágenes de la más variada especie, aun sin dejar de apoyarse en un lenguaje a veces, pero no siempre, típicamente popular, y muy frecuentemente traducida en imágenes herméticas, cuya forma popular esconde la dificultad para captar plenamente su sentido. La riqueza creadora de Arvelo Torrealba es tal, en efecto, que es frecuente encontrar décimas, por ejemplo, en las cuales prácticamente todos sus versos contienen imágenes de hermosísima factura, aunque a menudo de difícil comprensión.
La calificación de Arvelo Torrealba como «poeta nativista» nos parece hoy bastante discutible. No porque en su poesía no se cante, efectivamente, al paisaje y, en general, a la naturaleza venezolana, sino porque al lado de esto hay también en sus versos otros elementos, a nuestro juicio más importantes y definitorios, pero que la utilización, casi excluyente, del verso octosílabo, la cuarteta y otros recursos característicos de la poesía popular dominante en los llanos venezolanos, ha hecho que aquellos elementos pasen un tanto inadvertidos, incluso para críticos generalmente muy sagaces.
Tomado de Obra poética. Monte Ávila Editores. Caracas – Venezuela, 1999.
Nació el 02 de mayo de 1947, en Barrio Nuevo, Carora, Edo. Lara. Su dominio del cuatro lo acreditan como uno de los mejores acompañantes de Venezuela. Su vena de compositor aflora en el año 1962 y desde entonces ha aportado al acervo musical nacional más de 500 obras, abarcando casi todos los géneros de la música popular. Es un eterno enamorado de la danza zuliana, de la onda nueva y de la música del Brasil. Su composición “Señor JOU”, una danza zuliana, es pieza obligatoria en el repertorio de los ensambles de música popular y grupos de jazz, de Venezuela y otros países.
En el campo de la instrumentación, ha realizado diversos arreglos musicales para piano, grupos vocales polifónicos, estudiantinas, orquestas típicas, ensambles de cámara banda de vientos y orquesta sinfónica.
Es autor de un Método para el Aprendizaje del Cifrado Musical y ha dictado talleres para su aplicación. Ha alternado con las figuras y agrupaciones más importantes del país y ha participado en más de 30 producciones fonográficas. Ha dictado conferencias sobre la música popular venezolana, dentro y fuera de nuestro país. Ha diseñado un sistema para la realización de “Conciertos Dialogados” con el apoyo de un programa computarizado, basado en sus creaciones y arreglos musicales, en el que toca, canta y diserta sobre sus experiencias en el campo de la música.
Es creador de un Proyecto para la fundación de la Cátedra de Música Popular Venezolana en Conservatorios e Institutos Educativos.
Pablo Camacaro
Ha recibido reconocimientos de instituciones públicas y privadas, por su inagotable fuente de inspiración musical y por su gestión en pro del arte popular. Entre ellas: Casas de Estudios Superiores UCV, UCLA, ULA, UNET y UNY; del Consejo Permanente de Directores de Cultura de las Universidades Venezolanas y del Consejo Municipal de Barinas, al ser declarado hijo adoptivo de la ciudad del mismo nombre.
Es promotor y asesor cultural. Fue Coordinador de Cultura de la Universidad Yacambú y miembro del Consejo Permanente de Directores de Cultura de las Universidades Venezolanas. Es miembro fundador y permanente del grupo Raíces de Venezuela, institución musical de reconocida trayectoria a nivel internacional.
Pablo Camacaro se ha ganado el título de Maestro, gracias al aporte de sus valiosas obras, que han contribuido al proceso evolutivo de la música popular venezolana y gracias también a la perseverancia, al esfuerzo y a la dedicación permanente que le ha consagrado al cultivo de la música de nuestro país.
nace en Maracay, ciudad capital del estado Aragua (Venezuela), un 13 de Febrero de 1950. Hijo de Carmen Elena Mota de Martínez, oriunda de Guacara, estado Carabobo, y de Ramón Enrique Martínez, Oficial del Ejército Venezolano, natural de Belén, estado Carabobo. Es el tercero de cuatro hermanos, de los cuales Argenis y Aroldo. Del mayor de ellos, Ramón, ya fallecido, aprende a tocar el cuatro (instrumento típico venezolano), teniendo sólo 7 años de edad. Sobresale en la ejecución del instrumento debido al desarrollo de una temprana destreza que desarrollo con el tiempo en las reuniones familiares. Así mismo, su innata capacidad para acompañar una gran gama de melodías y canciones le hace ser invitado con frecuencia a las llamadas “tenidas musicales” donde se reúnen algunos músicos y cantantes a ofrecer lo mejor de su arte. Para ese tiempo, el padre de Henry, el conocido Capitán Martínez, lleva a casa, consuetudinariamente, discos de todos los estilos musicales que marcaban esa época. De tal manera, el futuro compositor se enfrenta a una exposición continua de las melodías y armonías que se guardarían en su memoria para aplicarlas cuando llegase el momento.
Por aquella casona larga, con patio de tierra y animales de corral, se paseaba Xavier Cugat, Nat King Cole, Andre Kostelanetz, Dámaso Pérez Prado, Billo’s Caracas Boys, George Gershiwn, The Platters, Elvis Presley, Juan García Esquivel, Juan Vicente Torrealba, Edith Piaf, Louis Armstrong, Bola de Nieve, Toña La Negra, Miguelito Valdés, La Sonora Matancera, Glenn Miller, Cole Porter, Michel Legrand, Bill Evans, y, quien fuera en verdad el primer maestro a distancia, Aldemaro Romero (Bajo la notoriedad de un gran descubrimiento, su LP Dinner in Caracas preparó el terreno para que Henry supiese de la vasta cantidad de opciones donde acostar una melodía, material que es su fuerte como arreglista y compositor). Este insigne músico significo para Henry la raíz de su manía por descifrar las armonías de cada canción y sus intentos por re-armonizarlas, cosa que religiosamente sigue haciendo hasta nuestros dias. A finales de los 50, Henry puede ver y tener en sus manos la primera guitarra eléctrica que jamas imagino tocar. Un amigo de casa, Luis Enrique González, músico y versátil instrumentista, había llegado de los Estados Unidos trayéndose consigo una hermosa guitarra Fender de color rojo, brillante y escarchada. Descubrió, entonces, el instrumento que le acompañaría en su trayectoria musical.
Henry Martinez
Siendo un adolescente, conoce a quien sería su primer maestro en la ejecución de la guitarra: Alejandro Benítez. Este, junto a su hermano Richard, también especial guitarrista, le enseñaría los primeros acordes de una música que le atraía sobremanera pero, al mismo tiempo, desconocía por no ser popular. Se trataba de la música brasileña. Las frescas y difíciles melodías que el maestro Benítez le ponía ante él provenían de aquellos pioneros del bossa nova, un grupo importante de músicos que hacían una propuesta única, muy elaborada y rica en extrañas e increíbles melodías y en progresiones armónicas. Era la música de Agostinho Dos Santos, Antonio Carlos Jobim, Luis Bonfa, Joao Gilberto, Dorival Caymi, Bola Sete, Laurindo Almeida, Walter Wanderley y otros tantos, lo que realmente cautivo la completa atención de Henry y lo desvío hacia un camino musical particularmente más exigente y riguroso pero menos popular. Sin acudir a algún instituto o escuela de música alguna, este aprendiz de compositor se adentra en la importante tendencia del tropicalismo y sigue muy de cerca la aparición y consolidación de los principales artistas que constituyeron ese movimiento. Mientras adelanta y termina sus estudios médicos, Henry conoce a quien le ofrecería la información sobre la música brasileña que él necesitaba. Claudio Campos, compañero de carrera venido del Porto Alegre, Brasil, le presenta y le suministra progresivamente todo el universo del tropicalismo: Chico Buarque, Edu Lobo, Antonio Carlos Jobim, Vinicio De Morais, Caetano Veloso, Elis Regina, Maria Bethania, Milton Nascimento, Gal Costa, Simone, Ney Matogrosso, Gilberto Gil, Ivan Lins, Vitor Martins, Toninho Orta, Maísa Matarazzo, Beth Carvalho, Leila Pinheiro, Al Cione, Gonzaguinha, Francis Haime, Cesar Camargo Mariano, Roberto Menescal, Zimbo Trio, Egberto Gismonti, Badem Powel , Quarteto em Si, etc.
Mientras recorre su carrera universitaria, conoce en Caracas al compositor Jesús Colmenares, con quien realiza un trabajo de música urbana que, de repente, se convirtió en su primer LP : ‘De Cal y Arena’, en honor a un poema de Mayra Jiménez musicalizado por Henry. Incluye ese LP alrededor de 15 temas de Henry y de Colmenares, interpretado por este último y acompañado por aquel en la guitarra, para el sello Discomoda ( 1973). Y antes, (1971) henry había sido grabado por Julio Gaziba, conocido a través de Colmenares. Este amigo de la música grabo el tema “Pero Tengo mi Molino”, un onda nueva que se ajustaba a la modalidad que representaba este ritmo creado por Aldemaro Romero. Inclusive, antes de “De Cal y Arena”, Colmenares había grabado 2 temas de Henry en un 45 r.p.m. : Mi libro y Juego de canasta.
A finales de los 70’, Henry conoce a quien luego seria su gran amigo, maestro, compañero de tenidas musicales: Luis Laguna. Este compositor Guacareño venia trabajando, desde hacia años, una nueva tendencia de la música popular venezolana. Estas nuevas aguas estaban cargadas de la música de Brasil, por lo que Henry se asimilo rápidamente al trabajo de este laboratorio donde también participaban Lencho Amaro, Eliécer Guzmán, Alfredo Del Nogal, Luis Medina y otros tantos que pudieron iniciar una corriente no muy aceptada en sus principios y atacada por la la más pura ortodoxia de las escuelas de música de la época. Luis Laguna, a principio de los años setenta, formo uno de los grupos más influyentes de las posteriores generaciones: VENEZUELA 4 (Luis Laguna, Eliécer Guzmán, Carlos Laguna y Carlos Soto). Alrededor de 1976 Henry forma parte de esta agrupación, junto con Lencho Amaro y Reinaldo Estrada, siendo así 7 los componentes del inolvidable grupo de cuerdas.
Henry Martinez
A finales de esa década, Henry forma parte de los grupos acompañantes de los cantantes Lilia Vera y Jesús Sevillano, acompañándolos, como guitarrista, en sus conciertos por más de 15 años, en ambos casos. Es en esta fase cuando Jesús Sevillano interpreta un tema de Henry,” Vivir Ahora y Siempre”, el primero hecho por un artista consagrado. A finales de 1980, Henry viaja a Estados Unidos donde estudia por un año gramática inglesa, en la Universidad de Tenneessee at Martin. Se traslada Nueva York para hacer un curso de 6 meses de Revisión de Estudios Médicos, con el objetivo de hacer un postgrado e Ortopedia. Regresa a Venezuela en 1982 y de inmediato comienza una propuesta urbana junto a músicos jóvenes de Maracay. Trabaja con el fino intérprete Juan José Capella, Lily Ortiz, Manuel Sandoval y otros amigos, conformando la banda “RAZA” que tuvo en Henry su arreglista y director musical, ademas de componer todo el repertorio. En 1983, Henry ingresa al Instituto Venezolano de los Seguros Sociales. Luego de dos año en la institución, logra un postgrado en Medicina Familiar, especialidad que ejerce hasta el final de su carrera médica. En esta década de los 80, Henry acompaña también a Maria Teresa Chacín, Nancy Toro, Esperanza Márquez y Luzmarina. De esta última, fue el Director de su banda durante 2 años. A finales de los 80’, Henry trabaja en la disquera Sonográfica, como Label Manager, con un grupo importantes de artistas bajo su cuidado. Esta travesura profesional fue instigada por Álvaro Serrano, ingenioso y brillante personaje del mundo musical caraqueño, para aquel entonces A&R del sello discográfico que dibujó una época importante en la música producida en Venezuela, y hoy, uno de los editores de la página www.pajafundamental.com, web site que rinde culto al buen gusto, al humor, a la inteligencia y, sobre todo, a la sencillez de lo extraordinario.
Justo a principios de los 90’, Henry decide interpretar sus propias canciones, sobre todo aquellas que no habían tenido suerte de ser escogidas por algún cantante. Inicia sus conciertos con un formato de 5 músicos, con Víctor Mestas liderando un grupo selecto de hoy famosos músicos maracayeros (Edgar Aponte, Edgar y Euro Zambrano, Víctor Hugo Rodriguez, Rubén Rebolledo, etc.) que lograron hacer posible su propuesta musical para la ciudad. Un lugar especial ocupa Mestas, pianista extraordinario y estudioso, en la vida de Henry, ya que aparece a su lado por un tiempo largo dándole al compositor una cálida y pedagógica compañía que se convierte en una amistad profunda con el paso de los años. Para aquellos tiempos, no había forma de imaginarse el uno sin el otro. Hoy, todavía, se nos permite apreciar esta convergencia de talentos, cuando Henry invita a Víctor a tocar un par de temas en su reciente CD.
Esta urgencia de Henry de comunicarse con la gente de la ciudad toma forma a mediados de los años 80, cuando hizo un inesperado pero arriesgado trabajo urbano. Este LP se lo plantea Jesús Sevillano a Henry, quien acepta de inmediato tan sorpresiva propuesta de boca de un artista cuyo repertorio estaba integrado, en su generalidad, por música popular venezolana y latinoamericana. Fue titulado Jesús Sevillano: Canto a Latinoamérica, Canciones de Henry Martínez, con arreglos maravillosos del talentoso arreglista Rafael Medina. Fue, durante la grabación de este disco, que ocurre el primer encuentro con Otmaro Ruiz y Lorenzo Barriendos, quienes años más tarde se convertirían en grandes amigos. Un poco más tarde, Henry escribe para Cecilia Todd su famosa canción A Tu Regreso, que se convierte en el tema original de la serie dramática “Primavera”, de mucho éxito para RCTV (Radio Caracas Televisión).
Comenzando la década de los 90, Henry co-produce y co-arregla, junto al excelso músico Lorenzo Barriendos, el CD Vestida en Flor, para Luzmarina, donde sobresalen 4 temas de Henry especialmente escritos para esta importante y talentosa cantante venezolana cuyo nombre va unido al de Henry para hacer posible hermosos intentos musicales. Luego de este trabajo, Henry decide mudarse a la ciudad de Miami, en los Estados Unidos de Norteamérica, donde fija residencia con su familia. Luego de 2 años de intentos infructuosos de colocar temas en la discográfica del momento, Henry es firmado como compositor exclusivo por Warner Chappell, brazo musical de la Warner Bros. Trabaja para Ellen Moraskie (ya fallecida), Vice-Presidente de la empresa en esa época, por 2 y medio años, donde produjo canciones para artistas como Marck Anthony, Jerry Rivera, Frankie Negrón, Velas ( grupo vocal femenino producido por Sergio George), Los Hidalgo, etc. Había entablado una excelente relación amistosa y musical con Fernando Osorio (quien lo introduce a Warner), también para aquella época compositor exclusivo de la famosa editora, con quien pudo componer la mayoría de esos éxitos en el mercado de la salsa.
Desde finales de los 90, Henry venía trabajando para un proyecto que había sido delineado en boceto por Cecilia Todd, una de las cantantes venezolanas de mayor proyección nacional e internacional, quien siempre llevó y lleva en su repertorio varias piezas musicales de Henry. El proyecto se concreta y nace una hermosa producción llamada “Cecilia Todd. Canciones de Henry Martínez” (2001), conteniendo 15 temas que se paseaban por la geografía venezolana dando lugar a uno de los discos mas importantes de la música popular venezolana, con arreglos de su amigo y gran músico William Sigismondi. Contó este disco con la participación especial de Gualberto Ibarreto y del excepcional bandoneonista argentino Rodolfo Mederos.
Siguiendo su trabajo personal, con actuaciones en teatros y espacios culturales venezolanos, llega a la consecución del objetivo más perseguido en los últimos años: grabar su propio CD, donde invitara, a cantar junto a él, a todo un grupo escogido de amigos. El proyecto, financiado por la Fundación Bigott de Venezuela, sale a la luz pública en Julio del 2003. YA ERES ABRIL, producido artística y musicalmente, a cuatro manos, por Henry y su gran amigo y destacado músico Juan Carlos Torrealba, es un CD donde Henry muestra su madurez como compositor y autor de letras. En este disco podemos encontrar lo que ha buscado Henry por años: bonitas melodías que se acuestan sobre progresiones armónicas hermosas, ambientadas y barnizadas por matices frescos de los arreglos y la conspicua programación de Juan Carlos Torrealba, que demostró, una vez más, que es uno de los más talentosos músicos que tiene hoy dia nuestro patrimonio musical. La versatilidad de Juan Carlos, hijo de otro gran maestro, Juan Vicente Torreallba, va desde el arte de la secuencia y la programación, pasando por su buen gusto como arreglista, y terminando con su manera muy particular de tocar el piano, haciendo uso de un “voicing bank” no común para los pianistas, en su generalidad. Junto a Henry, varios amigos invitados cantan y tocan para terminar de concluir este trabajo que dignifica la musicalidad venezolana. Ignacio Izcaray, Cecilia Todd, Luzmarina, Fernando Osorio, Claudio Corsi, Martirio (insigne cantante andaluz de coplas), Rodolfo Mederos, William Sigismondi, Leo Quintero y Gabriel Vivas. Este compacto hizo posible, entre otros tantos deseos profesionales del compositor, el logro de cantar con su especial amigo y compañero de dificiles caminos musicales, Ignacio “Nacho” Izcaray, con quien ha probado todo el amargo espectro de las puertas cerradas, cuando se cargan en la mano un ramillete de canciones prejuiciadamente etiquetadas como “no comerciales”.
Hace un par de años (2004), la cantante Ofelia del Rosal hizo una valiente producción discográfica denominada VINO TINTO, Romancero de Henry Martínez. En este CD, Ofelia interpreta, con su estilo muy particular, y su voz de una coloracion muy agradable, diez (10) temas de Henry, en una cuidadosa selección de hermosas piezas romanticas poco conocidas del compositor, algunas de ellas nunca interpretadas por cantante alguno.
Henry Martinez
Después de 38 años de trabajo sin baches en el camino de la composición y de la música, Henry puede ver hacia atrás y recordarse, sin ambages, compartiendo escenarios con tantos artistas amigos, los presentes y los idos, siempre haciendo la canción por la canción, Y eso lo saben todos los que lo conocen u oyeron su nombre alguna vez. Seria una lista larga, pero es atractivo para los que indagan sobre la vida del compositor hacer una lista pequeña, aunque posiblemente injusta, de todos aquellos con quien ha compartido un pedazo del espacio de los diferentes escenarios nacionales e internacionales y de quienes han interpretado sus temas, vocal o instrumentalmente, sus temas. Algunos de ellos son, sin orden de preferencia afectiva: Ignacio Izcaray, Cecilia Todd, Jesús Sevillano, Lilia Vera, Luzmarina Anselmi, Simón Díaz, Juan Carlos Torrealba, Víctor Mestas, Otmaro Ruiz, Tulio Cremicini, Alejandro Campos, Luis Zea, Aquiles Báez,Maria Teresa Chacín, Nancy Toro, Ofelia Del Rosal, Biella Da Costa, Morella Muñoz, Gloria Martin, Esperanza Márquez, Soledad Bravo, Gisela Castellano, Ilan Chester, Yordano, Evio Di Marzo, Colina, Oscar De León, Guillermo Carrasco, Eddy Pérez, Ana Elena Salazar, Alí Primera, José Montecano, Francisco Pacheco, La Chiche Manaure, Hanoi, Fernando Osorio, Claudio Corsi, Juan José Capella, Eugenia Méndez, Jesús Colmenares, Lily Ortiz, Huguette Contramaestre, Maria Alejandra Rodríguez, Taumanova Alvarez, Corina Peña, Toña Granados, Gisela Guédez, Maria Fernanda Márquez, Carola Landaeta, Daisy Gutiérrez, Prisca Dávila, Alicia Dávila, Ligiana Motamayor, Alexis “torero” Vargas, Betty Tablante, Gaby Bon, Guaco, Los Cuñaos, Ensamble Gurrufío, El Cuarteto, Saul Vera y Ensamble, Venezuela 4, Grupo Raíces, Pomarrosa, Henry Rubio, Alí Chirino, A Tres Bocas, En Cayapa, Los Guaraguaos, Opus 4, Tatoo Band, Roberto Monasterio y su Charanga, “Mañito” Peñaloza y Orquesta Fascinación, Orfeón Universitario de la UCV, Coral Polifónica de Aragua, Orquesta Sinfónica Gran Mariscal de ayacucho, Banda Marcial Caracas, etc., entre los venezolanos, y con otros ciudadanos del mundo como: Joan Manuel Serrat, Chico Buarque, Pablo Milanés, Mercedes Sosa, Silvio Rodríguez, Martirio, Noel Nicola, Alfredo Zitarrosa, Inti Illimani, Gabino Palomares, Nicomedes Santacruz, Quilapayun, Víctor Víctor, Sonia Silvestre, Gonzaguinha, Milton Nascimento, Ana Belén, Víctor manuel, Miguel Ríos, Tania Libertad, Miriam Ramos, Irakere, Paul Muriat, Orquesta Filarmónica de Londres, etc.
Un Henry Martínez más curtido por el paso del tiempo se dispone a comenzar una nueva etapa en su vida musical. Bajo el concepto de un formato de no más de cinco músicos, se ha atrevido a andar los caminos de Europa y de América para, de esta forma, asegurarse de que su trabajo poetico-musical se conozca cada dia en más lugares del planeta, hasta que haya hojas en su calendario. Información tomada de http://www.henrymartinez.org
Escuchemos, en la voz de Cecilia Todd, una de las composiciones de Henry Martinez
Enio Escauriza nació en Caracas, Venezuela en el año de 1952.
Por más de 25 años ha difundido la música venezolana dentro y fuera de Venezuela a través de sus interpretaciones en el Cuatro, instrumento nacional de su país.
También es un compositor popular, cuyos temas son interpretados por diversos artistas y agrupaciones.
Ha obtenido dos veces el primer lugar en concursos de composición de música popular nacionales.
Ha sido fundador de varias agrupaciones musicales y autor de varios proyectos para el aprendizaje de nuestra música tradicional.
Ha desempeñado distintos cargos directivos en Instituciones oficiales y privadas. Es docente del Cuatro de Venezuela para diversas instituciones y actualmente el Director de la “Cátedra del Cuatro de Venezuela Fredy Reyna”.
Como productor musical sus actividades incluyen la grabación y edición de audio para producciones musicales. Combina su actividad artística y docente con el diseño y ejecución y gerencia de programas culturales y el desarrollo de proposiciones para la Internet.
Jesús o “Chú” Ávila, como se le conoce en su terruño margariteño, es uno de los compositores e intérpretes de música popular del Oriente de Venezuela que más se ha sembrado en el corazón del pueblo insular. Nace un 27 de agosto de 1930, en la población de Los Robles (hoy El Pilar), edo. Nueva Esparta, y desde pequeño, junto a su madre, se dedica a labores de agricultor, marino y pescador. El ambiente hermoso y agreste de su niñez, formó su espíritu poético, luego hecho canciones al transcurrir de los años.
Iniciándose como músico en forma autodidacta (sus primeras notas musicales las arrancó de perolas y guitarritas fabricadas por él mismo), pronto fue apoyado en su formación por el maestro José Augusto de León, sobresaliente músico –autor del Himno del Día del Maestro– que, incluso, amenizaba las primeras películas silentes en el hoy desaparecido Porlamar Cine. A los 17 años se radica en La Guaira, donde realiza trabajos de obrero y técnico. En ese período comienza a transformar sus memorias de la tierra natal en sus primeras composiciones, que se encarga de difundir él mismo por calles y avenidas de Caracas, así como en emisoras de radio (que para la época presentaban talento en vivo en sus programas).
Con el tiempo, Ávila crearía más de doscientas canciones dentro del género de la música oriental, aunque incluiría también estilos caribeños no autóctonos como el bolero y el danzón cubanos.
Al regresar a Margarita, después de varios años de vida en la región capital, decide entrar de lleno en el mundo de las grabaciones. Forma el grupo Cuerdas Espartanas en los años 60 y, durante toda la década siguiente, se dedica a publicar discos, lo que le da proyección al movimiento de música popular en Margarita. Más adelante, su proceso artístico y personal lo lleva a abandonar la agrupación (que sigue viva con otros músicos); aun así, sigue grabando y editando material por su cuenta, tanto en formato LP como en 45 rpm. Entre sus canciones más conocidas figuran: Rumbo a Oriente, El guanaguanare (popularizada nacionalmente por Nancy Ramos a finales de los 70), Elegía margariteña, El gallo de Pascualita, Rauda, rauda, El mar, Nakarí y Cristo del pescador, entre muchas otras. Más recientemente, se hizo acompañar por los Hermanos García en el álbum Una luna y un lucero, y por el conjunto Concuerdas, asociación que le permitió restituir, para el formato de disco compacto 19 de sus mayores éxitos.
Jesús Ávila ha mantenido una fuerte actividad gremial en su región natal, siendo pionero local en este sentido. En 1982, por su iniciativa, y con la participación de otros músicos de la entidad, es creada la Asociación Musical del estado Nueva Esparta, en la cual ejerció el rol de Secretario General por un lapso de ocho años. Como artista ha recorrido todo el Oriente y Sur del país, habiendo visitado también Occidente y Los Llanos, llegando hasta los estados Apure, Mérida y Zulia, en diferentes presentaciones tanto para radio como en escenarios. Ha dado conciertos en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela, Caracas, y en las universidades de los Andes y del Zulia. Más allá de su sublime calidad como compositor, ha sido un eterno trabajador social, un sabio y un artista vitalmente entregado al amor por su madre, su isla y las costumbres familiares emanadas de la tradición.
INFORMACIÓN OBTENIDA DEL FASCÍCULO COLECCIONABLE NO. 1 DE MARGARITA, SU MÚSICA Y SUS MÚSICOS
Otilio Galindez nació en Yaritagua, Yaracuy el 13 de Diciembre de 1935. Desde pequeño demostró inclinaciones musicales apoyado por su madre en el canto y la poesía. En 1957 fue transferido a Caracas y trabajó en la Universidad Central de Venezuela formando parte del coro de esa casa de estudios.
Sus mentores incluyen personas como Antonio Estévez, Inocente Carreño y Modesta Bor, esta experiencia motivó su creación musical. Rapidamente destacó como un compositor de una musa muy fina.
En las composiciones de Otilio Galindez predominan las canciones navideñas, su primera composición fue la Restinga una canción folclórica navideña. Tambien ha compuesto valses, serenatas, bambucos y joropos, entre ellos encontramos: Pueblos Tristes, Flor de Mayo, Mi tripón y muchas otras.
Sus composiciones han sido ejecutadas y cantadas por los cantores populares venezolanos más conocidos y por otras reconocidas figuras de Latino America tales como Silvio Rodriguez, Pablo Milanes y Mercedes Sosa.
Nace el 13 de diciembre de 1935, en Yaritagua, Estado Yaracuy, Venezuela. Su obra es considerada una pieza trascendental dentro de la música popular venezolana, no sólo por la sencilla poética utilizada para describir la cotidianidad que para muchos pasa desapercibida, sino también porque “a través de sus composiciones se conoce, en forma musical, la geografía nacional’ (1)
Otilio Galíndez
En sus primeros años de edad, llega a la capital donde se desempeña como limpiabotas y vendedor de billetes de lotería. Conforme iba creciendo, recibía ánimo de sus padres para que se dedicara a lamúsica, su verdadera pasión. Transcurridos sus años de adolescencia le corresponde cumplir con el Servicio Militar, durante el cual compone sus primeras obras, que luego descarta, por considerar que no tenían fuerza poética ni melódica. En 1957 ingresa como empleado de la Universidad Central de Venezuela, cargo que se convertiría en el trampolín con el cual llegar hasta el Orfeón Universitario, donde realiza sus verdaderas primeras composiciones.
Su genio le ha permitido expresar su obra en diversos géneros musicales como el vals, la canción de cuna, danza, tonadas, merengue, joropo, danzón, aguinaldos y parrandas, entre los cuales se destaca una fuerte inclinación por la Navidad, quizás por ser el mes de su nacimiento. Entre las figuras que han interpretado sus obras hay que destacar a Simón Díaz, Lilia Vera, Soledad Bravo, Morella Muñoz, Jesús Sevillano, El Cuarteto, Ensamble Gurrufío, Mercedes Sosa, Pablo Milanés, Esperanza Márquez, Cecilia Todd, Ilan Chester, así como todas las corales del país. Algunas de sus obras: Flor de mayo, Candelaria, Mi bella dama, Caramba, Son chispitas, Ahora, La Restinga, Mariana, Es la primavera, Esos ojitos, Suelo buscarte, Un niño catire, De Belén campanas, El poncho andino, Rizos de ondas, Ese mar.
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