Monthly Archives: June 2010

El cantador recio Eneas Perdomo, nace en el Yagual Estado Apure, es hijo de esa noble tierra donde el llanero es dueño de su propia filosofía.

Le ha dado la vuelta al mundo inmortalizándose con su canción “Fiesta en Elorza”, “El Yagual”, se orgulloso de haber visto nacer a tan insigne cantautor apureño un 11 de Julio de 1930, siendo hijo de don Vicente Perdomo y Doña Rosa Carrillo de Perdomo, ambos fallecidos. Eneas Perdomo Carrillo comienzas sus estudios en San Fernando de Apure, logrando tiempos después un primer año de bachillerato, para esa época una gran mayoría de jóvenes después de cursar sus estudios de primaria se dedicaban al trabajo en cualquier actividad donde ocupaban su mayor parte de su tiempo, Eneas como llanero se dedicaba a las faenas del llano, laborando como peón de hato en la Vaicera, La Trinidad, Hato el Cedral, Fundo Nuevo,

La Providencia y otras fundaciones de ese inmenso llano. Eneas Perdomo no tan solo es un excelente llanero de a caballo, sino que tambien se desempeño como camionero en el ir y venir por las solitarias y largas carreteras como otro medio de ganarse la vida. El Cantautor apureño Eneas Perdomo se inicia en el arte de interpretar la música del folklore, especificamente la llanera, en el año de 1951 en Radio Guárico en la capital Guariqueña, desde esos duros comienzos el joven artista imponiendo su propio

estilo se traza como meta forzada por si mismo realizarse como cantautor de la música genuina, donde podría expresar sus sentimientos y querencias por ese llano que un día lo viera nacer. Después de muchas presentaciones en público y en Radios Emisoras del país llega el momento de de tan esperada oportunidad Eneas Perdonomo hace su primera grabación titulada “Soga, Despecho y Alero” del poeta Cesar Sánchez Olivo para el sello Discomoda. Esta grabación enrumba al compositor apureño por caminos de grandes éxitos, a tal efecto que en su trayectoria artistica cuenta con un promedio de 40 LP grabados hasta la actualidad. Entre los que mencionamos algunos de sus titulares Coplero Errante, Canto y coplero, Soy Coplero, A lo Criollo, Bajo El Cielo Llanero, Adiós barrancas de Arauca, Romancero del Corrio, Venezuela es Bellísima, Cantares de Mi Tierra, donde esta incluido la página musical Fiesta en Elorza con letra y música des este excelentísimo compositor y cantante apureño. Eneas Perdomo ha sido homenajeado en muchas oportunidades y son tantos los trofeos, placas y medallas de oro, plata y bronce que en su orden numérico sobrepasan las 200, su talento y clase lo hacen merecedor a varias condecoraciones, entre ellas Orden al Libertador, Orden Ricardo Montilla, Orden Emilio Sojo, Orden Sol Del Perú, Orden de Honor del Congreso de los EE.UU. Para el 19 de marzo de 1991 la alcaldía del Municipio Rómulo Gallegos, Elorza le rinde uno de los más grandes homenajes declarándolo hijo Ilustre, designando su composición Fiesta en Elorza como Himno Popular del Elorza, una avenida y una plaza con su busto que lleva su mismo nombre.

Información tomada de www.muguettaguilar.com y
www.mifolklorellanero.com

Poeta, músico, publicista, productor de televisión y político venezolano. Nacido en Pampatar, Isla de Margarita en 1936.

Ejecutante de varios instrumentos musicales, a los 15 años de edad debuta como compositor con “Ansiedad” que se a interpretado en infinidades de variaciones en el plano internacional y por su belleza es un icono dentro de la poesía venezolana Durante su niñez Chelique recibe de la mano de los maestros Manuel Patete, Carvajal y Luis Armando Pierlinisi que despierta su creatividad para pintar la música, otros éxitos como “No te muerdas los labios, Mi propio yo, Te necesito, En este país, Chinita de Maracaibo, entre otros.

Es Productor, Animador, Publicista y una extensa labor Radiofónica con más de 1.000 canciones registradas en la Sociedad de Autores y Compositores de Venezuela (SACVEN), Chelique Sarabia ha sido uno de los más exitosos músicos venezolanos del siglo XX, se le reconoce universalmente por ser el autor del tema “Ansiedad” (1958).

Es además autor de canciones reconocidísimas que forman parte del acervo cultural venezolano tales como “Cuando no sé de ti”, “Chinita de Maracaibo”, “No te muerdas los labios” y “Piragüero”.

A principio de los años 1960 se convierte en productor de discos independiente y del programa “Club Musical” en donde descubre artistas de la talla de José Luís Rodriguez, Las hermanas Rosa Virginia y María Teresa Chacín, “Los Impala”, Henry Stephen y Cherry Navarro.

Se deben también a su inspiración dos himnos municipales venezolanos: el de la Ciudad de Caracas (en letra y con música del Maestro Tiero Pezzuti) y el del Municipio Urbaneja del estado Anzoátegui (letra y música).

En 1973 compone “El caminante” tema musical que se convierte en himno de la campaña presidencial del candidato por el partido Acción Democrática en las elecciones de diciembre de ese año, Carlos Andrés Pérez ese constituyó su ingreso a la política activa.

Ha formado parte del jurado de la competencia folclórica del Festival de Viña del Mar

Información obtenida de:
http://www.muguettaguilar.com/venezuela/chelique_sarabia.php
Wikipedia

Enrique José Gotera Méndez, llamado “El Fabuloso de la Gaita” y “Goterita”, nació en Maracaibo el 24 de septiembre de un año a finales de los cuarenta; pasando los primeros años de su vida en su casa frente a la Plaza de la Libertad o de La Muñeca, en la parroquia Santa Lucía, junto a sus padres, Alfredo Enrique Gotera Perozo y Carmen Delia Méndez.

Cursó sus estudios de primaria entre las escuelas “Simón Bolívar” y “Sucre”, y obtuvo su título de bachiller en Humanidades en el liceo “Pérez”.
Compositor, cantante y cuatrista, ha destacado en la gaita, en la cual se inició en 1965, con Los Compadres del Éxito logrando un rotundo éxito con el tema de su propia autoría, “Los Patinadores”. Estudió tres años de Derecho en la Universidad del Zulia, antes de trabajar en la trasnacional Shell y Terminales Maracaibo. Además ha sido visitador médico, productor de seguros, co-propietario del salón “Los Alisios” y publicista.

Ingresó a Rincón Morales en 1966, donde obtuvo éxitos con “Remodelación del Saladillo”, “Acuarela lacustre”, “Chiquinquireña”, “Reflejos de mi Lago”, todas originales de Luis Ferrer.Fundó Los Fabulosos (1974-1975) y se retiró por causas personales, hasta que se integró a La Montonera, en 1978; pasó una temporada en los Tropicales del Éxito, en 1980, hasta su llegada a La Universidad de la Gaita (1981-1987), denominada más tarde Universidad Todos Estrellas. Posteriormente se unió a El Show de la Gaita, donde permaneció desde 1988 hasta 1992.

Reapareció con VHG, en 1993 y luego con los Profesionales de la Gaita, en el año 2002. Ha obtenido los más diversos premios regionales y nacionales. En octubre de 1998 ofreció un nuevo CD, Colección de Oro de Gaitas, valioso trabajo discográfico que representa la selección de 19 de los 74 temas que ha interpretado este reconocido cantautor, donde incluye un sólo tema de su autoría (Los patinadores), diez canciones de Luis Ferrer y otros temas de Luis Oquendo Delgado, Víctor Hugo Márquez, Heriberto Molina, Renato Aguirre, Francisco Morales y Néstor Rincón, entre esos: “Acuarela lacustre”, “Reflejos de mi lago”, “Aurora diamantina”, “Remodelación”, “Golpe bonito”, “Añoranza”, “La verdadera”, “Maracaibo viejo”, “Chinita Chinata”, “La vida continúa” y “Pueblo de aguas”.

Otros éxitos en la voz de Enrique Gotera han sido “Retazos del Catatumbo”, “Tierra mía”, “Crepúsculo”, “Genio y señor chiquinquireño”, “El edén soñado”, “Y Papá Dios, el Gaitero”, “Gloria de Dios”, “Tierra de Dios”, “Gaita y Lago”, “Por un ramo de flores”, “Gaita, guitarra y lira”, “Tierra marabina”, “Fiesta brava” y “Sueño torero”; además de sus interpretaciones de boleros con Enrique Atencio.

Tomado del sitio Sabor Gaitero

Escuchemos un par de temas de este ícono gaitero
1.-Acuarela lacustre


2.-China, chinita

Luis Felipe Ramón y Rivera fue un compositor y folclorista venezolano nacido en San Cristóbal, estado Táchira, el 23 de agosto de 1913 y fallecido en Caracas el 22 de octubre de 1993. Fue el esposo de Isabel Aretz, notable folclorista argentina-venezolana con quien se dedicó a la investigación y recopilación de las expresiones folclóricas de América.

Su legado como folclorista en Venezuela incluye la creación de la Fundación de Etnomusicología y Folklore (FUNDEF), la Orquesta Típica Nacional y la Escuela de Música del Táchira. Como compositor fue el autor de Brisas del Torbes uno de los temas emblemáticos del cancionero popular venezolano.

Biografía

En 1919 Ramón y Rivera se estableció con su familia en las ciudades colombianas de Cúcuta, San Luis y Pamplona, donde vivió hasta que regresaron al Táchira en 1921. En 1925 la familia se mudó a Caracas, donde comenzó sus estudios en la Academia de Música y Declamación de la Academia de Bellas Artes de Caracas (actual Escuela Superior de Música José Ángel Lamas), los cuales continuó en Colombia en 1926 en la academia de Gerardo Rangel Mendoza, organista de la Catedral de Pamplona y padre del músico colombiano Oriol Rangel Rozo. En 1928 regresó a la Academia de Música y Declamación de Caracas, estudió con Vicente Emilio Sojo, Juan Bautista Plaza, Miguel Ángel Espinel y se graduó de profesor de viola en 1934. Posteriormente formó parte del Orfeón Lamas y la Orquesta Sinfónica Venezuela.

En 1938 Ramón y Rivera se estableció nuevamente en San Cristóbal, donde participó en la creación de influyentes instituciones artísticas al lado de otros intelectuales andinos. En 1939 fundó junto al pintor Manuel Osorio Velasco y José Ignacio Olivares la Junta Pro-Arte, asociación músico-literario de cuya orquesta fue director, y en 1942 fundó y fue director de la Academia de Música del Táchira (actual Escuela de Música Miguel Angel Espinel) y su orfeón. En 1945 fue becado por el gobierno de Venezuela para estudiar etnomusicología en Buenos Aires, Argentina, en el Instituto de Musicología. Allí fue pupilo del reconocido musicólogo Carlos Vega y conoció a la musicóloga y compositora argentina Isabel Aretz, con quien contrajo matrimonio en 1947. El 9 de febrero de ese mismo año, Ramón y Rivera y su esposa se unieron a la directiva del recién creado Servicio de Investigaciones Folklóricas Nacionales (SIFN, actual FUNDEF) dirigido por Juan Liscano y con sede en el Museo de Ciencias Naturales de Caracas.

Entre 1948 y 1952 Ramón y Rivera vivió en Argentina, y en 1953 fue nombrado director del SIFN (renombrado a Instituto de Folklore), institución que dirigió hasta su jubilación en 1977. Ese mismo año fundó la Orquesta Típica Nacional, agrupación que dedicó a la difusión de música folclórica y popular venezolana. Por su trabajo en el rescate e investigación de la música venezolana, en 1966 Ramón y Rivera fue subvencionado por una beca de la Fundación John Simon Guggenheim.

En 1971 el Instituto de Folklore fue renombrado nuevamente a Instituto Nacional de Folklore (INAF). Con Ramón y Rivera todavía como director, se inició la creación del Instituto Interamericano de Etnomusicología y Folklore (INIDEF), el Museo Nacional de Folklore (MNF) y el Centro de Formación Técnica (CEFORTEC) del INAF. En 1973, la Organización de los Estados Americanos seleccionó al INIDEF para ser sede del Centro Interamericano de Etnomusicología y Folklore (CIDEF), el cual estaba bajo la dirección de Isabel Aretz.

Tras jubilarse en 1977, Ramón y Rivera permaneció activo como artista y en la investigación folclórica, y en 1988, el presidente Carlos Andrés Pérez, lo designó asesor de su esposa al nombrarla directora del Centro para las Culturas Populares y Tradicionales (antiguos Instituto Nacional de Folklore, Instituto Interamericano de Etnomusicología y Folklore y el Museo Nacional de Folklore). Ese mismo año, Ramón y Rivera participó en la creación de la Fundación Internacional de Etnomusicología y Folklore (FINIDEF).

En octubre de 1988, Ramón y Aretz se presentaron en el Merkin Concert Hall de Nueva York en un programa en honor al oboista Josef Marx llamado North/South Consonance. Allí estrenaron Gritos de Una Ciudad, pieza musical escrita por Aretz para acompañar los poemas de su esposo, los cuales fueron leídos por ambos.

En 1990, el CONAC volvió a cambiar el nombre del CCPYT a Fundación de Etnomusicología y Folklore (FUNDEF) manteniendo a Isabel Aretz como presidente y nombrando a Ramón y Rivera como director de publicaciones, puesto que ocupó hasta su muerte en 1993.

Tomado de Venciclopedia

Destacada cantante de música lírica y popular venezolana. La educación primaria la realizó en las escuelas Experimental Venezuela, Ricardo Zuloaga y el colegio San José de Tarbes. En 1946 ingresó en el liceo Andrés Bello, incorporándose de inmediato a su orfeón, dirigido por Lorenzo Figallo Espinal, miembro a su vez del Orfeón Universitario creado y dirigido por Antonio Estévez, quien insistió en su entrada al coro de la Universidad Central de Venezuela; allí en el proceso de selección fue detectada por la profesora de vocalización Lidia Butturini de Panaro, quien se desde ese momento se convertiría en una persona determinante en su formación básica y futuro artístico. Ya en 1948, se encontraba cantando con en el seudónimo de Morella Kenton en Radiodifusora Venezuela, incursionando luego en la televisión, en el programa del famoso animador Víctor Saume.

En 1953, a instancias de la profesora Panaro, ingresó a la Escuela Superior de Música, en Santa Capilla para estudiar canto, teniendo a Inocente Carreño y Raimundo Pereira en teoría y solfeo, a Vicente Emilio Sojo, en armonía, y Juan Bautista Plaza en historia de la música y estética musical. En este período ingresó al Orfeón Lamas, que para ese entonces dirigía el maestro Sojo, ofreciendo en dicha escuela su primer concierto clásico. En 1957, tras egresar de la escuela, viajó a Tanglewood (Inglaterra) a participar en el curso de verano de Berkshire Music Center. En 1958 viajó nuevamente a Europa, donde estudió interpretación de música de cámara en la Academia Santa Cecilia de Roma, bajo la dirección de Giorgio Favaretto, y simultáneamente cursó italiano en el Instituto Dante Alighieri. Luego de esto pasó a la Academia Superior de Música y Arte de Viena en la cual hizo el curso completo de canto. Asimismo, durante este tiempo estuvo en Quekhoven (Holanda), donde realizó cursos de canto e interpretación con Noemí Perugia. Circulaban entonces en Venezuela sus discos 6 canciones venezolanas de Antonio Estévez y Canciones de América, selección de spirituals y composiciones que cantó en marzo de 1957 en su concierto de música panamericana ofrecido en el Museo de Bellas Artes de Caracas.

En 1961 cantó en el Palazzo Forte de Verona, bajo los auspicios de la Academia de Cultura Musical de dicha ciudad, ganó el Premio Primavera de Praga, certamen internacional para cantantes de formación académica.

Ese mismo año contrajo matrimonio con Pedro Álvarez Ibarra de cuya unión nacieron 2 hijos. Tras regresar a Caracas, se incorporó al Quinteto Contrapunto, cuyo primer disco de una serie de 5 fue grabado en 1962. Luego volvió a Europa y en Londres tomó clases particulares con Vera Rozna, como parte de un curso de perfeccionamiento técnico vocal. A la vuelta al país circuló su disco producido en Inglaterra titulado Canciones infantiles venezolanas. En 1967 salió a la luz el disco Alirio y Morella de canciones, tonadas y aguinaldos venezolanos, interpretados por ella y el guitarrista Alirio Díaz. También por este tiempo circuló el disco Morella Muñoz canta aguinaldos venezolanos, con Giomar Narváez al piano y Federico Reyna al cuatro, de una serie dedicada a aguinaldos tradicionales con participación de varios artistas.

Además de sus numerosas presentaciones en todo el país, individuales y con figuras como Ignacio “Indio” Figueredo y Freddy Reyna, participó en varias giras, cantando no sólo en las respectivas capitales sino en otras ciudades importantes de Europa y América. Como reconocimiento a su talento, fue la única cantante de América del Sur que fue incluida entre los nuevos valores del siglo XX, en la Enciclopedia de la música (Alemania 1959/España 1970) dirigida por Fred Hamel y Martín Hürdimann. En cuanto a su repertorio, en el campo folklórico Morella Muñoz, interpretó canciones indígenas, religiosas populares, melodías infantiles tradicionales, cantos de trabajos, motivos agrarios y afrovenezolanos, composiciones urbanas contemporáneas, y en el campo académico sus interpretaciones incluyeron el concierto, la misa, el oratorio, el réquiem, la canción de arte y la ópera, recordándose en este último género su rol de Doña Bárbara en la obra homónima. Fue considerada por muchos como la mejor intérprete latinoamericana de Brahms. Asimismo, fue especialista en Schubert, Schumann, Wolf, Bach, Handel y Mahler. Cantó con la orquesta de Cámara de la UCV, la Orquesta Sinfónica Venezuela, la Orquesta Filarmónica de Caracas y la Orquesta Nacional Juvenil Simón Bolívar, siendo solista en obras como el Réquiem de Mozart, El Mesías de Handel, Gloria de Vivaldi y la Novena sinfonía de Beethoven. En 1982 apareció una edición antológica de 12 discos, acompañada del libro testimonial La invención del canto de Carlos González Vegas. En 1988 fue la voz inaugural del Primer Pregón de la Navidad Caraqueña, celebrado en la plaza Bolívar de la capital. Entre 1989 y 1992 se desempeñó como asesora del ministro de Estado para la Cultura, con aportes concretos para la creación de la Dirección de Desarrollo Regional de dicho organismo. En 1994 fue publicado en su honor por Disco Club Venezolano, un álbum contentivo de un disco compacto y un libro, titulados Morella Muñoz, nuestra voz. A lo largo de su vida artística recibió numerosas distinciones, entre ellas el Premio Nacional de Música en 1992.

Tomado de la página VenezuelaTuya.com

Escuchemos la extraordinaria voz de esta gran mujer venezolana junto al Quinteto Contrapunto en “Cantos de pilón”:

Fue fundado en 1955 por Héctor Silva Narváez, sus hermanos y un grupo de amigos vecinos; el matrimonio de los Silva Narváez pertenecía a una de esas familias que se establecieron provenientes de Margarita cuando el boom petrolero en el estado Zulia.

Vivieron en el Barrio Obrero de Cabimas, de allí el nombre del conjunto, y a partir de 1963 se profesionalizaron con una grabación y se constituyeron en ganadores de todos los festivales de radio y televisión para la época.

Posteriormente se unieron a sus filas dos figuras que a la postre vendrían a ser grandes valores para la gaita y que hicieron carrera y lograron notoriedad al lado del conjunto, ellos fueron José Chiquinquirá Rodríguez “Chinco” y Bernardo Bracho, el primero compositor y el segundo gran intérprete de la obra de Chinco, de allí tenemos temas como “Así es Maracaibo”, “Gaita a Bobures”, “Cabimas la Cenicienta”, que son obras de referencia dentro de la gaita y su historia, y muy respetadas y apreciadas por el medio gaitero.

Barrio Obrero es el grupo activo más antiguo y puro dentro de la gaita en el país, con 52 años de trayectoria que cumplirá esta temporada. Su dotación instrumental consta de solo los instrumentos que desde su fundación usaron para interpretar la gaita: 2 tamboras, 4 furros, 2 cuatros, maracas, 2 charrascas y voces de hombres y mujeres, lo que se constituye en una excelente opción para dar a conocer este importante género en su forma más original y genuina, sobre todo a la juventud que tiene una percepción distorsionada de lo que es la verdadera gaita del Zulia, y a su vez en una valiosa oportunidad de mostrar este ritmo al mundo como una de nuestras pertenencias folklóricas y culturales más difundidas a nivel nacional, que da clara muestra de nuestra identidad y de la riqueza de nuestra musicalidad.

Barrio Obrero fue condecorado como “Patrimonio Histórico Cultural del Distrito Bolívar” hoy Municipio Cabimas en 1982 y como “Patrimonio folklórico musical de Estado Zulia” en 1990. Asi como el “Botón de Oro de la Zulianidad” otorgado en Enero de 2002 por la Gobernación del Estado por mencionar algunas de las más importantes.

Actualmente se mantiene difundiendo e interpretando gaitas en su más pura y tradicional forma. De ello da muestra nuestra última producción titulada “CON EL SONAR DE LOS FURROS” donde destacan temas de interés nacional de protesta muy al estilo del conjunto, que tiene como costumbre manifestar con sus gaitas el sentir del pueblo, y otras de más sentido localista como las gaitas a nuestra patrona: la Virgen de Chiquinquirá, y otros temas de gran interés en sus contenidos y forma musical que nunca se aparta de la originalidad y del sonido particular de nuestra verdadera gaita de furro, de gran auge en todo el país, y plenamente conscientes de su gran valor como producto comercial y cultural.

Tomado del blog del Barrio Obrero de Cabimas

Entre sus temas exitosos podemos citar: Gaita a Cabimas, Afición gaitera, El estudiante, Así es Maracaibo, Bobures, La primitiva, Beber es vivir, O.K. Gómez Plata, Las extravagancias, Dos regalos, Rosas para mi China, Aurora bonita, Gaita al Periodista, Sancocho y mojito, Alerta Orinoco, Señora de mis pensamientos, Con la pepa ‘e Billy Queen, Chupá balancín chupá, Un ojo dimos, Apaga el televisor, La leche popular, Orgullo marabino, Madre mía, Coman sardinas, Estamos pelando, Nací en la orilla del mar, Homenaje a Humberto Fernández Morán, Echemos pa’ lante, El toño, y otros

Algunos integrantes: Bernardo Bracho, Tito Manzano, Pedro Delgado, Lula y Carmencita Silva, Pilo Zutachi, Luis Ruiz, Alberto Silva, Alexis Delgado, Yoly Mar, Guzmán Figueroa, Justo Montenegro, José “bambaito” Guzmán, Alejandro Silva, Alexander Manzano, Tito Delgado, Jesús Riquezas, Ramón Herrera, Wilmer Vargas, Alberto Solórzano y otros más.

Tomado del sitio Sabor Gatiero

Escuchemos 2 temas de este Patrimonio Cultural del Zulia y de toda Venezuela:
Gaita Primitiva

Aguinaldo al niño: este aguinaldo es muy hermoso pues su letra refleja la sencillez y la inocencia que todos los niños poseen junto a lo sabroso y autóctono del Zulia (¿qué más quereis?), disfruten esta joya:

José Sifontes nació en Caracas el 11 de febrero de 1949. Músico y Compositor Venezolano. Su obra de más importancia “Anhelante”,

La música venezolana contemporánea ha sido entendida y desarrollada por este músico criollo como una auténtica expresión de romanticismo. José “pollo” Sifontes ha destacado todos los atributos románticos de nuestra música hasta el punto de cautivar y penetrar en el sentimiento de su público. Nació en Caracas el 11 de febrero de 1949. Su infancia transcurre en Ciudad Bolívar, donde desde muy temprana edad inicia su afición por la música y la composición.

Para iniciar sus estudios universitarios regresa a Caracas, ya como músico – autodidacta, cantante,- ejecutor del piano, la guitarra y el cuatro. Sus primeras composiciones de rotundo éxito son definitivamente de toque romántico y muy venezolanista.

Más adelante comienza a aventurarse en la música contemporánea y latina. Es allí donde define su carrera musical, dedicándose de lleno al canto, la locución, la música publicitaria y las producciones musicales discográficas. Sus creaciones han estado presentes en los repertorios de los más famosos grupos e intérpretes de la música venezolana.

Internacionalmente su obra “Anhelante”, compuesta en 1975, fue determinante para que su nombre como compositor recorriera la América entera. “Quisiera”, “Tu Ternura”, “Cumpleaños Venezolano”, “Cafecito” y muchas otras obras conforman el amplio conjunto de sus creaciones llenas de encanto y armonía.

Raíces de Venezuela es amor, respeto y vocación por la música, así como identificación plena con la gente, sus costumbres, las bellezas naturales y apasionante historia de su país. Raíces surgió como heredero de las tradiciones de una generación de grandes compositores e intérpretes dentro del arte popular venezolano. Nació del encuentro del cuatrista Pablo Camacaro con Orlando Moret durante una serenata, afinidad que, con el correr del tiempo, lograría magníficos aciertos musicales y se sobrepondría a las distancias físicas, pues cada uno de sus integrantes reside en diferentes lugares del país.

Así las cosas, el primer encuentro sirvió de motivación para que Pablo Camacaro y Orlando Moret decidieran reunirse en San Cristóbal, estado Táchira, una semana después de conocerse y, el 12 de noviembre de 1976, consolidaran la idea de rescatar los verdaderos valores musicales venezolanos, al tiempo de producir nueva música, pero siempre respetando los patrones tradicionales de sus formas autóctonas. Desde entonces, Raíces de Venezuela ha aportado alrededor de 300 composiciones al acervo musical de la nación, entre valses, bambucos, merengues venezolanos, danzas, tonadas, pasajes y joropos. Las composiciones provienen del aporte individual de sus integrantes, en tanto los arreglos musicales corresponden a un trabajo colectivo de la agrupación.

Raíces se ha presentado en los principales auditorios universitarios, ateneos y demás centros culturales del país. Igualmente, en la Sala de las Américas de la Organización de Estados Americanos (OEA), Banco Interamericano y Embajada de Venezuela en Washington (EUA), San Juan de Puerto Rico, Barbados y Santa Fe de Bogotá, Colombia.

Una buena cantidad de producciones discográficas es el testimonio fiel de la obra musical del Grupo Raíces de Venezuela, el cual se une al entusiasmo que impera en nuestro país por el inmenso proyecto cultural en marcha y ofrece su valiosa experiencia musical como aporte al desarrollo y proyección de sus valores autóctonos, a fin de que las nuevas generaciones conozcan nuestra música y aprendan a amarla y a defenderla. Del mismo modo, la agrupación aspira a enseñar a la juventud venezolana las técnicas de nuestro lenguaje musical y las condiciones para crear nueva música siguiendo los esquemas tradicionales, por ser ésta una de las tantas formas de defender y rescatar nuestro gentilicio, nuestra verdadera identidad, nuestras raíces.

Hoy en día, Raíces de Venezuela llega a sus 30 años de tenaz y perseverante trabajo musical: tres décadas dedicadas a rescatar los valores musicales autóctonos, así como la producción de nuevas obras con arreglos novedosos pero enmarcados dentro de la esencia de nuestra tierra.

Información tomada de venezuelademo.com

Escuchemos al Grupo Raices de Venezuela con una versión de la ya conocida por nosotros Señor Jou

Nació en Ocumare del Tuy (Estado. Miranda) en 1773. Fue uno de nuestros músicos más comprometidos con las luchas patrióticas por la independencia venezolana.

Fueron sus padres Rudesindo Gallardo y Bárbara Timotea Aguado, ambos pardos libres. Gallardo quedó huérfano a temprana edad. Fue rescatado por Juan Manuel Olivares quien lo llevó a su casa y lo alojó hasta 1792; en este hogar recibió sus enseñanzas musicales.

El 26 de diciembre de 1794 contrajo matrimonio con María del Carmen Araujo y al enviudar se casó con María Catalina Pereira, el 30 de abril de 1799.

Con ella, tuvo tres hijas: María Josefa Leona, Eladia de la Merced y Francisca de Paula. Una de ellas, María Josefa, fue profesora de piano.

Lino Gallardo también se destacó como compositor de canciones patrióticas, director de orquesta y ejecutante del violín, violonchelo y contrabajo.

Fue discípulo de Juan Manuel Olivares y perteneció al grupo de la Escuela de Chacao. Compuso la música de la Canción americana, la cual alcanzó enorme popularidad en la época, escrita años antes por los conjurados de 1797 e impresa en los talleres de J. Baillío y Co., en 1811.

El nombre de Lino Gallardo estuvo comprometido en las conspiraciones de 1808 y 1810 (participando en el 19 de abril de 1810) y fue miembro de la Sociedad Patriótica.

Por componer y entonar en las calles canciones patrióticas, Lino Gallardo fue encarcelado después de la caída de la Primera República (en julio de 1812) en las bóvedas de La Guaira donde permaneció hasta la entrada triunfante de Bolívar a Caracas.

En 1818, bajo el régimen realista, funda la Sociedad Filarmónica de Caracas, la cual funcionaba como escuela de música y sociedad de conciertos; Gallardo fue el director de la orquesta de conciertos y director y profesor en la escuela.

A Lino Gallardo se le atribuye, si no la música, al menos la participación en la canción patriótica Gloria al Bravo Pueblo, que en 1881 fue decretada Himno Nacional.

El 9 de agosto de 1824, fue nombrado maestro mayor de música de Caracas. En 1827, cuando Simón Bolívar entra triunfalmente a Caracas, Gallardo compuso una canción patriótica en su honor. Amigo y compadre de Bolívar, éste le compensó de actuar al lado de los patriotas, nombrándolo fiel de peso en la aduana de La Guaira (1827).

No obstante, este nombramiento le valió la enemistad de su antecesor en el cargo, José María Muñoz, quien intentó recuperarlo en 1830 tras la muerte de Bolívar. José Antonio Páez protegió a Gallardo de los ataques de sus enemigos.

En 1827 estableció su residencia en La Guaira, donde vivió hasta su muerte, desempeñándose desde 1829 como funcionario de la Aduana.

De él apenas se conserva la canción patriótica Tu nombre, Bolívar, la fama elevó, aparecida en 1883 en el libro de Ramón de la Plaza Ensayos sobre el arte en Venezuela.

Murió en Caracas el 22 de diciembre de 1837.

Gurrufío Chamber Ensemble es el nombre con el que, en 1984, Cristóbal Soto, Luis Julio Toro y Asdrúbal “Cheo” Hurtado bautizan un naciente proyecto musical, al que pronto se integra Jesús González en el contrabajo, músico que permanece poco tiempo en el grupo. Breve es también el lapso que tardará en consolidarse, entre una creciente audiencia, la denominación que hoy se ha convertido en sello de calidad e innovación: Ensamble Gurrufío;vagrupación que abre paso a un nuevo estilo instrumental venezolano, el que permite
tener como elemento fundamental lo espontáneo, lo inesperado, ese que da cabida a la improvisación y al virtuosismo de cada uno de sus integrantes, aquel que propone ejecuciones únicas e irrepetibles.

En 1989, se vincula a este virtuoso trío el contrabajista David Peña, quien se incorpora plenamente en 1991, año que marca un momento fundamental para el grupo al iniciar su proyección internacional con tres exitosas giras que los llevaron a diversas ciudades de Japón, Brasil y Estados Unidos. Presencia emblemática en la agrupación, además de cohesión y suerte, la entrada de Peña aportó la armonía y el conocimiento de las más arraigadas tradiciones populares urbanas y el manejo de las expresiones musicales de origen afrovenezolano. Posteriores presentaciones en Colombia, Chile, las Antillas Holandesas, México, Alemania, España, Francia y el Reino Unido, entre otros países, han convertido al Ensamble Gurrufío en una referencia mundial de altísimo nivel de la música tradicional venezolana, a cuya riqueza ha aportado elementos contemporáneos que han hecho de Gurrufío una versátil propuesta popular-académica.

La edición en Venezuela de sus discompactos Maroa (1993), El Cruzao (1994) y El Trabadedos (1996), permitieron constatar la receptividad, desde sus inicios, tanto del público como de la prensa hacia su proyecto musical. En 1998, editan Cosas del ayer, con un repertorio de música tradicional latinoamericana. En diciembre de ese mismo año, graban su primer CD en vivo y, a comienzos de 1999, se unen a la Orquesta Gran Mariscal de Ayacucho para realizar otra grabación, con arreglos para ensamble y orquesta de Paul Desenne y Vinicio Ludovic, con lo que logran una nueva y sorprendente sonoridad. Participaron también en la grabación del CD Tocando Tierra (junio 1999), producido por el sello disquero Latin World, junto a músicos de la talla de Bella Fleck, Edwin Colón Zayas y Abraham Laboriel.

Merecedor del premio Monseñor Pellín 1998, mención especial, por su aporte a la difusión de los valores culturales de nuestras regiones y a su gran profesionalismo, el Ensamble Gurrufío también recibió el Premio Nacional del Artista 1999 por el espectáculo, Ensamble Gurrufío:
15 años, que marcó un hito en este tipo de eventos en Venezuela. En agosto de 2001, sorprende a los melómanos con un disco de antología, Serenata con Gurrufío, impecable trabajo junto a Serenata Guayanesa. En 2002, Ensamble Gurrufío conmueve, nuevamente, el mundo cultural cuando en junio debuta en el Teatro Teresa Carreño, La Camerata Criolla, proyecto musical que une a algunos de los mejores músicos de formación académica del país para explorar y explotar, en formato sinfónico, los elementos universales de nuestros géneros musicales. En 2002, lanzan Sesiones con Moisés Torrealba, trabajo donde la bandola de este virtuoso nacido en Barinas, en enero de 1978, conmueve hasta las entrañas con su enorme y sorprendente genio artístico.

A Cheo Hurtado en el cuatro y la bandola, David Peña en el contrabajo y Luis Julio Toro en la flauta, se uniría Juan Ernesto Laya en las maracas, en 1998, cuando Cristóbal Soto decide radicarse definitivamente en Francia. De esta manera, la agrupación mantiene su formación de cuarteto; pero no siempre fue así. Ensamble Gurrufío llegó a ser un quinteto cuando Jaime Martínez ingresa al grupo, en el año 2000, a cargo del oboe. Con la salida de Martínez en 2003, sin embargo, la flexible estructura de Gurrufío retoma el formato de 1998 y continúa cautivando al público nacional e internacional, como sucedió en febrero durante sus presentaciones en el Barbican Center de Londres, Inglaterra, en 2001, y con el resonante éxito obtenido con su participación como invitado especial en la Mostra SESC: Latinidade, celebrada en agosto de 2003 en Sao Paulo, Brasil, así como en las tres funciones, ese mismo año, de “El reto: la leyenda de Florentino y el Diablo”, obra encargada por la agrupación al compositor Paul Desenne e interpretada en la sala José Félix Rivas del Teatro Teresa Carreño y en el Aula Magna de la Universidad Central de Venezuela. En marzo de 2005, Gurrufío lanza al mercado, en un concierto memorable en los jardines del Centro de Arte La Estancia, Caracas, la grabación de esta obra, en el disco titulado El reto, en el que son acompañados por la Camerata Criolla, y cuentan con la participación especial de los cantantes William Alvarado, Argenis Sánchez y Francisco Pacheco, álbum de donde procede el tema promocional seleccionado para el catálogo VenezuelaDemo.

En la actualidad, este importante cuarteto se dispone a seguir sorprendiendo a las más diversas audiencias con su inagotable trabajo creador.

Tomado de http://ensamblegurrufio.com.ve/